Je croyais savoir photographier.
Jusqu’à ce spectacle-là.

Peut-être que vous avez déjà vécu ce genre de moment : lumière difficile, enfants sur scène, appareil prêt… et ce sentiment que tout va trop vite.

Je me rappelle très bien de cette séance photo.
L’un des premiers spectacles de ma fille.
Un seul passage. Pas de répétition. Pas de droit à l’erreur.
Un souvenir pour la vie… et une famille qui comptait sur moi.

J’avais tout ce qu’il fallait : un appareil photo perfectionné, un téléobjectif performant, les bases techniques bien en tête.
Y’avait plus qu’à…

J’ai fait les photos. Beaucoup.
J’ai vu le spectacle à travers mon viseur, sans en perdre une miette.
Mais le prix à payer, je ne l’avais pas anticipé.

Résultat ?
Déception totale.
Rien n’allait.
Exposition ratée, mouvements flous, regards manqués.
Et surtout, aucune émotion sur les visages de ces petites artistes en herbe.
J’étais passé complètement à côté de ce qui comptait.

Et ça a recommencé…

Quelques mois plus tard, me voilà dans une petite salle de théâtre, une jeune troupe pleine d’énergie jouant une pièce contemporaine.

Les artistes entrent en scène : cette fois, ce sont des comédiens professionnels.

J’ai un appareil photo plus récent, mais de la même gamme que l’ancien.
Rien d’exceptionnel. Mais tout est différent.

Je photographie la pièce pour eux.
Mes images sont attendues, elles seront publiées, partagées.

Je livre des photos correctes, mais sans plus.
Loin de ce qu’e j'envisageais, alors qu'il s'agissait d'une demande officielle.

J'avais fait à peine mieux malgré mon matériel plus perfectionné. C'était frustrant.

Si vous aussi, vous avez déjà ressenti ce mélange d’excitation devant la scène et de frustration devant vos photos, la suite va vous intéresser.

BONNE NOUVELLE, IL EXISTE UNE SOLUTION

Elle n'est pas technique, elle consiste à :

• anticiper les scènes,

• capturer l’instant décisif,

• sentir quand et comment déclencher… sans hésitation.

Parce qu’en photo de spectacle, rien n’est jamais figé à l'avance.

La lumière change sans prévenir, les artistes improvisent, la scène vous échappe.
Même les professionnels le savent : il faut apprendre à s’adapter, pas à tout contrôler.

Cette solution existe et elle fonctionne.
Parce qu’elle est simple, logique et accessible à tous — quel que soit votre appareil, votre expérience ou votre niveau technique.

Elle ne vous demande pas de devenir pro.
Seulement d’adopter une nouvelle approche : celle qui vous place dans la scène, au lieu de la subir.

QU'EST-CE QUE VOUS PENSERIEZ DE POUVOIR, DÈS MAINTENANT, ABORDER LA PHOTO DE SPECTACLE SANS STRESS, SANS CETTE PEUR DE RATER, SANS CE DOUTE AU MOMENT DE DÉCLENCHER ?

• Vous feriez des photos que les artistes vous demanderaient, quand d’autres, autour de vous, les rateraient avec leur matériel pro.

• Vous ne vous sentiriez plus coupable en voyant les réussites des autres :
  vous auriez la satisfaction de savoir pourquoi vos images fonctionnent.

• Vous pourriez partager des photos fortes,
  celles qui montrent aux artistes ce qu’ils ont donné au public, et prolonger ainsi l’émotion du spectacle.

• Et, sans vraiment l’avoir cherché, vous seriez agréablement surpris de voir qu’on fait appel à vous
  quand il faut “assurer” — surtout quand les images doivent être publiées.

IL EXISTE UNE FAÇON D'Y ARRIVER.

Mais êtes-vous prêt(e) à aller jusque-là ?

Il vous suffit de chercher les sites des photographes de spectacle,
et d'analyser toutes leurs images.
Enfin… celles qu’ils veulent bien montrer.

Puis de disséquer, de comparer, de noter tout ce qui fait la force de ces photos.
Quelques heures par photographe.
Quelques mois pour en faire le tour.

En parallèle, direction la librairie.
Commandez les livres de ceux qui ont des styles différents.
Achetez-les, parce que vous allez les étudier, les annoter, les relire pendant des semaines.
Et vous y reviendrez souvent, très souvent.

Choisissez bien : il faut penser “spectacle vivant” dans toute sa diversité — pas seulement concerts, théâtre ou danse.
Sinon, vous passerez à côté d’une partie du sujet.

Et quand vous aurez fait tout ça, vous aurez sans doute des pages entières de notes (je vous le souhaite).
Mais attention : vous ne pourrez pas poser de questions aux photographes, ni leur demander comment ils ont fait.

Les pros sont rarement bavards quand il s'agit de leurs secrets.
Et ceux qui acceptent de parler vous expliqueront qu’ils ont un matériel professionnel,
des années d’expérience, et que tout cela ne s’apprend pas en quelques jours.
En clair : que vous n’avez pas le bon profil.

Alors je vous laisse y penser.
Dépenser des centaines d’euros en livres ?
Passer des semaines à analyser des photos sans jamais avoir d’explications ?
Tout en continuant à rater les vôtres entre-temps ?

C’est vraiment ça que vous voulez ?

Voici ce que je vous propose à la place

Quand je pars photographier un spectacle, je pense d’abord… au spectacle.
Pas au matériel.

J’ai mes réglages favoris en tête, ceux qui fonctionnent avec mon équipement et qui ont fait leurs preuves.
Je me concentre sur le spectacle, sur les artistes : qui ils sont, ce qu’ils vont raconter, ce qu’ils vont offrir au public.
C’est tellement plus important que la technique.

Dès que j’arrive face à la scène, je la regarde.
Je la découvre, je l’observe, je cherche à comprendre ce qui la rend unique,
et où je dois me placer pour capter au mieux ce qui va s’y jouer.
C’est ce regard, avant même la première photo, qui change tout.

Quand le spectacle commence, j’entre dans ma bulle.
J’ouvre les yeux en grand.
Chaque instant, chaque mouvement, chaque émotion compte.
Je ne veux rien manquer.
Parce que l’intérêt d’une photo tient d’abord dans le regard de celui qui la fait.

Dans INSPISCENE, vous allez suivre :

• une série complète de leçons vidéo, dans lesquelles je vous montre ce qu’il faut comprendre avant même de sortir votre appareil du sac

• une explication claire de ce que le matériel photo apporte (et de ce qu’il ne peut pas faire à votre place)

• les réglages que vous pouvez adopter dès aujourd’hui pour des résultats nets et équilibrés, sans tâtonner

• un plan visuel de progression que vous pouvez imprimer, pour suivre la formation facilement et garder vos repères.

Dès votre inscription, vous accédez à toutes les leçons.
C'est une méthode simple, pensée pour faciliter l’apprentissage, testée sur le terrain depuis plus de dix ans, et applicable quel que soit votre niveau.

Mon objectif est clair : que vous ne rentriez plus jamais d’un spectacle en vous disant “je suis encore passé à côté…”

Vous aurez aussi accès à :

• l’espace de discussion entre participants

• mes réponses à toutes les questions

• et tous les compléments qui font la différence entre une simple formation et un vrai accompagnement.

Vous pouvez y accéder tout de suite en cliquant sur “Inscription”.

Mais avant cela, lisez la suite.

Je ne veux pas vous proposer un programme qui ne vous conviendrait pas.
Vous devez savoir exactement ce qui vous attend.

Car INSPISCENE n'est peut-être pas pour vous.

Qu’allez-vous apprendre avec INSPISCENE ?

Dès les premières leçons, vous allez comprendre qu’il faut changer votre manière d’aborder la photo de spectacle.
Passer d’une approche purement technique à une approche visuelle, intuitive et consciente.

Vous découvrirez comment vous placer, pourquoi cela change tout, et comment ne plus jamais être gêné(e) par le public ou les mouvements autour de vous.

Vous verrez que votre matériel est déjà capable de bien plus que vous ne le pensez — à condition de l’utiliser avec un esprit “spectacle vivant” : les bons réglages, les bonnes habitudes, les bons réflexes.

Je vous montrerai comment penser vos photos avant même de les prendre, et comment les finaliser ensuite pour qu’elles traduisent vraiment ce que vous avez vu.

Vous apprendrez à chercher des cadrages auxquels vous ne pensez pas d’habitude, parce que la technique vous bloque ou vous intimide.

Je vous donnerai mes astuces de prise de vue pour contourner les limites de votre capteur ou de votre objectif (pas besoin d'un boîtier et d'un objectif hyper pro).

Vous découvrirez la seule chose à laquelle penser pendant toute la durée du spectacle, celle qui, si vous l’oubliez, peut ruiner vos images…

... mais si vous l’appliquez, fera de vous un(e) photographe que les artistes adorent.

Vous apprendrez à déclencher au bon moment, vite et juste,
pour ne jamais manquer une émotion, un geste, un regard.

Dès la fin du deuxième module, vous saurez dépasser les limites de la lumière et de la scène.

Dans le troisième, vous apprendrez à gérer le mouvement et à contrôler la netteté.

Et si vous suivez la formation sérieusement, en moins d’une semaine, vous serez capable de transformer radicalement votre pratique.

Vos photos ne seront plus des essais, mais des images qu’on vous réclamera : parents, artistes, compagnies, troupes ou groupes.

Lors des prochains spectacles, vous saurez comment montrer la représentation sous son plus beau jour.

Vous saurez aussi faire participer les artistes, même les plus jeunes, pour donner encore plus de force et de vérité à vos images.

Et surtout, vous montrerez à votre entourage — et à vous-même —
qu’on peut compter sur vous pour créer des images qui marquent les mémoires et remplissent les albums et les sites web.

Après tout, c’est bien ce que tout photographe rêve de faire, non ?

JE PARTAGE MON ÉCRAN POUR VOUS MONTRER COMMENT :

• apprendre à choisir ce que vous montrez du spectacle, même lorsque tout ne se passe pas sur scène

• obtenir des photos de qualité professionnelle sans avoir besoin d’un équipement professionnel

• sublimer vos images grâce aux bons traitements dans votre logiciel photo, simplement et efficacement

• finaliser vos photos pour mettre en valeur les artistes sans en faire trop, tout en respectant les temps forts, les émotions, les regards et l’ambiance lumineuse du moment.

Vous allez apprendre à apprécier la photo de spectacle autrement, à vous prendre au jeu, et à proposer toujours plus d’images personnelles, sensibles, uniques.
Des photos que personne d’autre ne fera comme vous.

MAIS ATTENTION :
Je ne fais pas des miracles.

Je ne vais pas faire le travail à votre place, il faut accepter de suivre les leçons, d'y revenir au besoin, de prendre des notes, de pratiquer.

Cela va vous demander un engagement, du temps.

IL NE S'AGIT PAS DE RECETTES TOUTES PRETES

Je ne vous partage pas des modèles de photos, des “presets” de traitement ou des listes de réglages pour chaque boîtier.

Je vous transmets une approche visuelle et artistique.
Je vous aide à développer votre regard.
Mais il faut en avoir envie.

Si, en me lisant, vous pensez déjà que tout cela est trop pour vous…
que vous ne voulez pas vous lancer dans un nouvel apprentissage…
que la photo de spectacle, finalement, vous la ferez en mode Auto et que “ça ira bien comme ça”… alors ne vous inscrivez pas.
Ce programme n’est pas pour vous.

Si vous pensez que je vais vous prendre par la main pour régler un à un tous les boutons, menus et fonctions de votre appareil photo, ne vous inscrivez pas non plus.
Ce n’est pas ce que nous allons faire ici.

Si vous vous attendez à une formation complète sur Lightroom ou un autre logiciel, vous risquez d’être déçu(e).
Je montre concrètement les étapes du traitement d’image, mais il ne s’agit pas d’un cours sur un logiciel.

INSPISCENE s’adresse aux photographes qui veulent vraiment s’investir dans la photo de spectacle.
À ceux qui veulent pratiquer régulièrement, progresser et créer des images que les autres n’arrivent pas à faire dans les mêmes conditions.

C’est un cours avancé, qui suppose de maîtriser les bases de la photographie et le vocabulaire qui va avec.
Mais surtout, c’est un cours pour apprendre à regarder, à ressentir et à transformer ce ressenti en images fortes, vivantes et justes.

CE N’EST PAS UNE FORMATION POUR APPRENDRE LA PHOTO

Pratiquer la photo de spectacle suppose déjà de savoir faire des photos dans des conditions plus simples, et de savoir utiliser votre appareil dans ses modes experts.
Je ne parlerai jamais du mode Auto.

Je partage ici une méthode qui fait plus appel à votre ressenti qu’à la technique pure.
À ce que vous voulez transmettre, plutôt qu’à ce que vous voulez prouver.
De la même manière que les artistes partagent leurs émotions sur scène, vous apprendrez, vous aussi, à en transmettre à travers vos images.
C’est de cela qu’il s’agit.

Quand je vous montre des photos en exemple, je vous explique comment elles ont été faites : pourquoi j’ai choisi tel cadrage, dans quel contexte, avec quelles contraintes.
Je mets chaque image en perspective, comme si nous étions ensemble autour d’une table à en parler.

Je n’ai pas filmé pendant un spectacle, je n’ai pas organisé une représentation pour la formation :
mais toutes les photos que je vous montre ont été réalisées lors de vrais spectacles.

Et tout ce que je partage peut être appliqué à tous les types de scènes : théâtre, musique, danse, performances artistiques… qu’il s’agisse d’artistes amateurs ou de professionnels.

J’ai voulu partager ce que j’ai appris, et surtout ma vision de la photo de spectacle, pour vous aider à développer la vôtre.
Il s’agit de transformer votre pratique, de penser écriture photographique plutôt que réglages et matériel.

Et si vous excellez déjà en photo de spectacle, alors cette formation n’est pas pour vous.
Je préfère le dire avant.

CE QUE VOUS ALLEZ DÉCOUVRIR

• La question essentielle à vous poser avant le lever de rideau, celle qui oriente votre regard et vous empêche de déclencher au hasard.

• Ce que vous pouvez oublier : toutes ces règles techniques qui vous encombrent l’esprit et vous empêchent de voir la scène telle qu’elle est.

• Pourquoi la photo de spectacle demande des réflexes bien différents de la photo nature ou urbaine, et comment les adopter naturellement.

• Comment réussir vos prises de vue sans tout rater, même dans une salle sombre, avec des artistes en mouvement et une lumière imprévisible.

• Pourquoi vos photos sont parfois décevantes, et comment éviter cette frustration de rentrer chez vous avec des images sans émotion.

• Comment traduire ce que vous ressentez en réglages simples et cohérents, pour que la technique serve la scène — et non l’inverse.

• Comment finaliser vos images pour qu’elles révèlent l’énergie, la lumière et les visages des artistes, sans trahir leur travail ni en faire trop.

DU CONCRET : toutes les photos commentées dans la formation ont été réalisées pendant de vrais spectacles, sans mise en scène, sans préparation particulière, dans des conditions réelles.
Chaque exemple est une situation vécue — avec ses contraintes, ses ratés, et les solutions qui font la différence.

COMMENT ÇA MARCHE ?

1. Cliquez sur Inscription ... (le bouton) et complétez le formulaire

2. La formation va être ajoutée immédiatement à votre espace élève sur le site de formation, elle y restera à vie

3. Vous allez pouvoir suivre le premier module immédiatement

4. C’est une formation vidéo dans laquelle je présente chaque série de photos sous le double angle de l'approche et de la réalisation

5. Comme si vous étiez à côté de moi face à mon écran

6. Vous pouvez suivre les leçons quand vous le voulez, 24h/24, 7j/7

7. Vous pouvez me poser autant de questions que vous le voulez sous chaque leçon

8. Vous bénéficiez des réponses apportées aux autres élèves

9. Vous pouvez commencer quand vous voulez, faire une pause, reprendre quand ça vous arrange, sans limite de durée

10. Vous pouvez revoir les leçons aussi souvent que vous le voulez

11. Vous pouvez télécharger toutes les leçons pour les suivre hors ligne

Vous pouvez suivre la formation en deux jours comme en plusieurs semaines. J'estime la bonne durée à 5 jours pour tout visionner et finaliser vos notes.

BONUS
En complément des leçons, je vous fournis aussi le plan complet et détaillé de la formation. Vous pouvez l'imprimer pour prendre vos notes.

ASSISTANCE PERSONNALISEE
Je réponds à vos questions sous chaque leçon. Vous bénéficiez aussi des réponses aux questions des autres membres pour compléter votre apprentissage. Pensez à y revenir régulièrement.

SANS LIMITE

• une fois inscrit(e) vous débutez la formation quand vous voulez,

• vous la suivez à votre rythme,

• vous revenez sur chaque leçon aussi souvent que vous le voulez,

• vous me posez vos questions aussi souvent que vous le voulez.

CE QUE CETTE FORMATION VA VOUS APPORTER EN PLUS

• Faire les bons choix avant de déclencher, pour capturer le moment le plus fort sans hésiter ni déranger le spectacle.

• Tirer le meilleur parti de la scène, en comprenant instinctivement comment la lumière, le mouvement et les artistes s’accordent pour créer une image percutante.

• Éviter l’erreur classique de croire qu’un matériel plus cher réglera vos problèmes.
  En photo de spectacle plus que dans tout autre domaine, ce n’est pas votre boîtier qui fait la différence : c’est votre regard, votre sens du rythme et votre capacité à anticiper.

• Un investissement vite rentabilisé : en évitant un nouvel achat inutile et en réussissant des images que les artistes ou les familles vous réclameront, vous amortirez cette formation dès vos premiers spectacles.

Y a-t-il des frais supplémentaires à prévoir ?

Non.
Si vous avez déjà un appareil photo hybride ou reflex, vous avez tout ce qu’il faut pour suivre la formation.

Comment être sûr que ça fonctionne ?

Parce que c’est la méthode exacte que j’utilise depuis près de 10 ans pour photographier danseurs, musiciens, comédiens ou compagnies professionnelles.

Les images que je partage sur mon site, celles qui ont été exposées ou publiées, ont toutes été faites avec cette approche.

C’est une méthode concrète, née du terrain.
Elle ne fera pas de vous un photographe professionnel, mais elle vous donnera la satisfaction de produire des photos vivantes, expressives, qui traduisent l’émotion du spectacle.

C’est une méthode simple — parce que ce qui est simple, on l’applique.
Et surtout, parce qu’en photo de spectacle, l’instant ne repasse pas.
Il faut être prêt, sentir, déclencher… pas réfléchir pendant que la scène vit.

Si vous appliquez sérieusement cette approche…

C’est peut-être la formation qui va vous redonner le goût de pratiquer, d’apprendre, d’expérimenter.

Elle n’a pas l’ambition de faire de vous un pro de la lumière scénique,
mais d’être le point de départ d’une nouvelle façon de photographier le spectacle vivant.

Pour faire des images plus fortes, plus justes, plus vraies.

Vous disposerez d’un plan simple, progressif, applicable en quelques jours.
Vous suivrez une approche éprouvée, que vous pourrez adapter à votre rythme et à votre équipement.

CHANGEZ VOTRE APPROCHE DE LA PHOTO DE SPECTACLE

• Appliquez cette méthode, et vous passerez de quelques photos réussies “par chance” à une majorité d’images équilibrées, expressives et justes.

• Ne perdez plus de temps à tâtonner : apprenez à déclencher au bon moment, à lire la lumière, à sentir le rythme.

• Inspirez-vous des photos commentées et appliquez ces principes dès vos prochains spectacles — danse, théâtre, concert, ou représentation scolaire.

La différence entre un photographe qui subit la scène et un photographe qui la révèle tient à une seule chose : une approche maîtrisée et un regard vivant.

C’est exactement ce que cette formation vous apporte.

À LA FIN DE CETTE FORMATION

• Vous saurez ce que signifie “faire des photos de spectacle réussies”, celles qui transmettent la magie du moment.

• Vous comprendrez ce qu’il faut vraiment observer pour capter l’essence d’une scène, sans tout rater en voulant tout saisir.

• Vous saurez ce que vous pouvez oublier : ces détails techniques inutiles qui vous font perdre l’instant.

• Vous saurez comment faire de votre appareil un allié — quel qu’il soit — au service de votre vision.

• Vous créerez des images claires, lisibles, où l’émotion est au premier plan.

• Vous saurez trouver le bon équilibre entre trop et trop peu, pour garder l’essentiel sans vous noyer dans la rafale.

• Vous prolongerez le plaisir de la prise de vue en finalisant vos images avec simplicité, sans frustration ni perte de temps.

Chaque représentation est unique.
Chaque instant sur scène ne se rejouera jamais.

Ne les laissez plus vous échapper.

Rejoignez-moi dès maintenant dans l’espace Membres pour suivre la formation ...